Ce mardi 18 août, Virginie est seule dans la Cité des Anges. Elle nous apprend dans un sourire que Tao vient d’accoucher.

J’écris “nous” parce que je ne suis pas seule. Nous sommes une poignée de journalistes à table, tous membres du corps électoral des Golden Globes.

Certains sortent tout juste de la projection de Soudain. D’autres, comme moi, l’ont vu à Cannes, en mai dernier.

Trois mois plus tard, je n’en ai rien oublié et j’en garde même un souvenir ému. Soudain était l’une des plus belles oeuvres de Cannes 2026.

Je vous donnais mon avis à chaud sur Instagram.

Virginie y joue la directrice d’un EHPAD parisien qui lutte contre le système et tente de mettre la bienveillance, l’attention et l’humanité au coeur des soins. Elle se lie d’amitié avec une metteuse en scène japonaise atteinte d’un cancer. Ensemble, elles vont faire face à la fin de vie avec courage et dignité.

Ce film est une réflexion intime sur ce que le capitalisme a fait aux liens humains. Sur papier, il peut paraître interminable: il dure 3h16. En réalité, j’ai vu des films d’1h40 qui semblaient bien plus longs que celui-là.

Les téléphones sont rangés, les plats attendent d’être entamés. Virginie, chemisier blanc et bermuda en cuir, raconte.

Elle a été choisie pour Soudain seulement deux mois avant le début du tournage. Elle a appris le japonais qu’elle dit, en rigolant, mieux maîtriser que l’anglais.

Elle se souvient de Ryusuke Hamaguchi qui lui disait lors du tournage d’aller “chercher la lumière”. Il l’incitait en fait à sortir d’elle-même, à ne plus penser à sa performance d’actrice, à être, là, toute entière, dans l’émotion.

Elle ne sait pas trop pourquoi il l’a choisie, elle. “C’est un peu étrange de demander ça à un réalisateur: pourquoi moi?”, dit-elle. Mais elle se dit que peut-être il a vu en elle une sorte d’absence de peur? Elle évoque Benedetta, film choc de Paul Verhoeven dans lequel elle apparaissait nue. Les deux oeuvres n’ont rien en commun si ce n’est que Virginie a osé s’abandonner. Faire confiance.

Elle nous parle de Justine Triet, son amie. De son admiration pour David Lynch et Todd Haynes. Elle n’a pas de projet américain, pas de grand rêve d’Hollywood. “Je suis Belge. Déjà, Paris, c’était quelque chose”, explique-t-elle à la journaliste américaine assise à mes côtés.

Elle se tourne vers moi, avec un regard complice. Je lui dis que j’ai grandi dans le Brabant Wallon et que pour moi, même Bruxelles était déjà une grande étape. On se marre. Seuls les Belges comprendront.

On repense à Jean Dujardin, récompensé par l’Oscar du meilleur acteur pour The Artist. Et on se prend à rêver, peut-être, d’un parcours similaire pour ce film atypique. Elle a l’air de nous prendre pour des fous.

Elle repart demain, déjà. Il y a un petit garçon de trois ans qui l’attend à la maison.

Son passage aura été bref mais elle reviendra en novembre “faire campagne”, comme on dit à Hollywood. Avant ça, il y aura le Festival international du film de Toronto, puis le Festival du film de New York…

La saison des récompenses cinématographiques à Hollywood ressemble à une campagne politique. Il faut faire acte de présence, parler, serrer des mains, sourire. Virginie découvre les rituels de cette étrange mécanique hollywoodienne.

Alors qu’il est temps de libérer la salle, on prolonge la conversation un instant. Elle m’embrasse. Deux bises. Sacrilège quand on est Belges. On se fait la réflexion en même temps.

Dehors, le ciel fait mal aux yeux tant il est bleu et la chaleur est intense. J’ai hâte que l’été se termine à LA et qu’on entame les festivités.

J’ai hâte de voir le parcours de ce film étonnant, différent, qui fait mouche partout où il passe et de voir, aussi, comment Virginie va embrasser cette nouvelle aventure américaine.

Je vous raconterai.

Dans la quatrième saison de Ted Lasso, qui a repris le 5 août, Rebecca a acheté une équipe de football féminin. Jason Sudeikis, créateur de la série et interprète de Ted Lasso, aime dire que c’était la seule bonne manière de revenir: en racontant quelque chose de différent. “Ca permet d’explorer d’autres types de relations au sein du groupe, la manière dont ces conflits se résolvent et l’effet que ça a sur Rebecca et Keeley", explique l’actrice.

Elle admet avoir eu un peu peur de reprendre son rôle. “Je pense que c’est sain d’avoir un peu le syndrome de l’imposteur. Se dire: Je ne serai peut-être pas aussi bonne que la dernière fois. Ou encore: Je ne veux surtout pas transformer mon personnage en caricature. Parce que je vois souvent des acteurs qui restent longtemps dans une série, et les traits de caractère pour lesquels ils ont été complimentés deviennent de plus en plus appuyés. J’en étais très consciente. Je voulais éviter d’exagérer Rebecca.”

Trois ans plus tard, Rebecca est en couple. Je ne vous spoile pas: on voit son amoureux dans la bande-annonce. Son partenaire est pilote de ligne, père célibataire et il n’a jamais peur de lui dire non. Professionnellement, l’équipe féminine qu’elle a acquise la remet profondément en question. “Elle se pense féministe... puis elle réalise que, peut-être, à cause de son histoire familiale, elle ne l'est pas autant qu'elle le croyait. C'est une pilule assez difficile à avaler pour elle. Cela l'amène à remettre une nouvelle fois en question sa relation avec son père et sa mère.”

Hannah, qui précise être plus féministe que son personnage, souligne l’intelligence de l’écriture de Ted Lasso.

“On pourrait naturellement penser que Rebecca est désormais une femme plus affirmée qu’avant, donc qu’il est logique qu’elle soit propriétaire d’une équipe féminine. Mais j’adore le fait que les scénaristes aient complètement renversé cette attente en disant: Non. En réalité, Rebecca n’adhère pas immédiatement à cette idée.”

Rebecca est un personnage de télévision épatant: c’est une femme forte et sensible à la fois, elle est capable de faire preuve d’autorité mais elle peut aussi déléguer et elle accepte de se remettre en question. Cette saison 4 semble vouloir la bousculer.

Le premier épisode l’envoie à Kansas City, dans le fief natal de Ted Lasso, revenu vivre aux USA pour être près de son fils. “J’ai adoré nos trois semaines de tournage là-bas”, dit Hannah, l’oeil pétillant. “Je me suis lancée dans une véritable orgie de barbecue.” Une passion qu’elle partage avec son personnage, comme vous pourrez le constater. “Tout ce qui était grillé, je le mangeais”, plaisante-t-elle.

Kansas City est la ville natale de Ted Lasso mais aussi de Jason Sudeikis, avec lequel elle partage une amitié qui va bien au-delà des plateaux de tournage. Tous les deux sont parents célibataires - Hannah Waddingham élève seule sa fille, née en 2014 - et ils se retrouvent souvent en famille pour aller au théâtre. “Je ne serais pas là aujourd’hui sans Jason”, affirme-t-elle, consciente qu'il a profondément changé le cours de sa carrière.

La fin de l’interview est annoncée. Nous étions une poignée de journalistes et mes collègues ont tous pu poser une question, sauf moi. Hannah lève la main et annonce qu’elle prendra quelques minutes supplémentaires pour me répondre. Impériale jusqu’au bout.

Je la remercie et je lui demande: Qu’est-ce que le personnage de Ted Lasso lui a appris à elle, dans la vraie vie?

Elle sourit. “Je dirais que Ted et moi nous sommes assez naturellement retrouvés, parce que je suis quelqu’un qui voit toujours le verre à moitié plein. Sa philosophie, Be curious, not judgmental (Soyez curieux, pas dans le jugement), m’a énormément parlé. Son Onward, forward (On avance, toujours) m’a parlé aussi. Et lorsqu’il parle de l’entraînement, en disant que personne n’arrive là où il est sans avoir travaillé, sans avoir répété, sans avoir accepté de faire les efforts nécessaires... ça me parle aussi énormément.”

Elle ajoute: “Je pense que, souvent, les gens rendent un mauvais service à cette série en disant qu’elle a rencontré le succès parce qu’elle est arrivée à un moment où le monde en avait besoin. Je sais qu’ils ne le disent pas avec de mauvaises intentions. Mais on entend souvent: Cette série a fonctionné parce qu’elle est arrivée pendant la pandémie, au moment où le monde avait besoin de ce genre d’histoire. Moi, je pense que, pandémie ou pas, le monde en avait besoin de toute façon. Parce que nous étions entrés dans une habitude consistant à roaster les gens - je déteste ce mot. Je ne l’utilise presque jamais. Je n’aime pas cette culture qui consiste à ridiculiser les autres pour faire rire.”

“Et j’adore le fait que cette série, ainsi que toute sa philosophie, soient positives. Pas positives au point d’être mièvres. Mais positives. Et qu’elles célèbrent les gens. Oui, elles les confrontent parfois à leurs erreurs. Mais toujours pour les élever encore davantage. Je dirais donc que j’étais déjà, au fond, quelqu’un de la famille Ted Lasso. J’ai simplement eu l’impression d’y rencontrer ma petite âme sœur.”

Ted Lasso est à voir sur Apple TV dès à présent.

Mon avis sur les 2 premiers épisodes de la saison 4

En bref, c’est un Spider-Man intime et j’ai bien aimé ce voyage intérieur ponctué de bonnes scènes de baston. Je dis oui à la voltige entre les buildings de New York et oui aussi à Sadie Sink, la rouquine de Stranger Things.

Lors d'une conférence de presse virtuelle organisée le 31 juillet 2026, à laquelle j'ai assisté, le jeune cinéaste de Backrooms (si vous ne savez pas ce qu’est Backrooms, commencez par cet article) s'est confié sur cette nouvelle réalité.

Le premier moment “Pincez-moi, je rêve”

“J’adorais déjà ce que je faisais sur YouTube. Je me souviens qu’en janvier 2022, lorsque le projet Backrooms que j’avais réalisé a commencé à prendre énormément d’ampleur, ça a été un énorme choc. Comparé à la période qui a précédé et à ce qui a suivi, c’était vraiment un moment où je me suis dit: “Pincez-moi, est-ce que c’est réel?”

“Depuis, j’ai revécu plusieurs fois des versions similaires de ce sentiment. Mais on finit toujours par s’habituer à sa nouvelle réalité, donc, au final, l’excitation reste à peu près la même.”

“Ce qui compte pour moi: me coucher le soir en étant satisfait de ce que j’ai fait”

Kane estime désormais que l’excitation fait partie du voyage. Et il nous rappelle une chose essentielle: l’important, ce n’est pas la destination (le succès) mais les petits pas qu’on fait tous les jours pour y arriver (le travail). Attention, petite leçon de vie…

“C’est incroyablement enthousiasmant de créer quelque chose qui rencontre un tel succès, mais je veux que ce soit surtout le travail quotidien sur le projet qui me motive vraiment. Je suis évidemment aux anges de voir autant de gens réagir au film et ressentir un véritable lien avec lui.”

“Mais, personnellement, ce qui compte le plus, c’est mon quotidien: me lever le matin, savoir sur quoi je vais travailler, puis me coucher le soir en étant satisfait de ce que j’ai fait. C’est peut-être une manière très zen de voir les choses. Mais au fond, c’est la seule chose que je peux vraiment contrôler, alors c’est là-dessus que je choisis de concentrer mon attention.”

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• Kane Parsons sur l’après Backrooms: “YouTube ne va pas disparaître de ma vie”

Au cours d’une conférence de presse à laquelle j’ai assisté ce matin, il a confié que le cinéma était sa priorité, mais qu’il avait aussi des idées en télé et qu’il envisageait aussi une incursion dans le monde du jeu vidéo.

“J’ai plusieurs projets en discussion, des idées assez ambitieuses, mais rien n’est encore vraiment décidé”, sourit-il.

Dans la presse américaine, on raconte que les studios de cinéma se battent pour qu’il rejoigne leur écurie. On évoque un deal de 3 ans avec A24 pour deux films, dont une suite de Backrooms et un projet original.

Sa priorité: le cinéma

Le format qu’il veut explorer actuellement est le cinéma.

“J’ai pris énormément de plaisir à traverser tout le processus de fabrication d’un long métrage avec Backrooms. Et je pense qu’il y a encore beaucoup de choses que je peux améliorer dans ma manière de travailler, ainsi que de nouvelles approches que j’ai envie d’essayer.”

“Un ou deux projets télé”

Le cerveau en ébullition, il a aussi “un ou deux projets de séries télé” en tête.

“J’aime l’idée de les laisser avancer doucement en arrière-plan pendant que je réfléchis à la meilleure façon de les faire évoluer, parce que j’adore les récits au long cours.”

YouTube, toujours

Les fans de la première heure, ceux qui l’ont découvert sur YouTube, peuvent souffler, il n’a aucune intention de laisser tomber la plateforme qui l’a fait décoller.

“YouTube ne va pas disparaître de ma vie. Je continuerai probablement à m’en servir comme d’un terrain d’expérimentation, pour tester des idées au fil des années.”

L’envie de travailler dans le jeu vidéo

Jamais à cours d’idée, il aimerait aussi, un jour, “travailler dans le jeu vidéo”.

“Je n’ai envie de fermer aucune porte”, résume-t-il. “J’ai simplement envie d’explorer tous les médias possibles et de voir où cela me mène. Je ne pense pas qu’il faille aujourd’hui se limiter à un seul format: avec le temps, ils dialoguent de plus en plus les uns avec les autres. Mais, pour l’instant, ce qui m’enthousiasme le plus, ce sont les longs métrages.” Il promet “des annonces bientôt”.

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Disponible depuis le 7 août 2026, The Last House (en français: Le Dernier Refuge) est réalisé par le Français Louis Leterrier, habitué aux blockbusters. C’est un thriller de survie intense et efficace qui s’inspire d’une expérience que nous avons tous traversée, il y a quelques années. Le film transforme un traumatisme collectif en huis clos angoissant qui reste en tête bien après le générique.

Je l’ai vu. Voici mon avis, sans spoiler.

Qui sont le réalisateur et les acteurs?

A Hollywood, le Français Louis Leterrier est surtout connu pour ses grosses productions. Après Le Transporteur, Insaisissables ou encore Fast X, le dixième volet de Fast and Furious, et bientôt, si tout va bien, Fast 11, que Vin Diesel considère comme le meilleur épisode de la franchise, il délaisse les explosions et les courses-poursuites pour un film plus intime. Mais malgré tout, spectaculaire.

Ce n’est pas sa première collaboration avec Netflix: il a déjà signé Lupin pour la plateforme de streaming.

Côté casting, Le Dernier Refuge met en scène Wagner Moura, révélé au grand public grâce à la série Narcos et récemment acclamé pour sa prestation dans le film brésilien L’agent secret; ainsi que Greta Lee, inoubliable dans Past Lives.

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Le Dernier Refuge: ça raconte quoi?

C’est une journée normale pour la famille Delgado. Jason, Ann et leurs deux enfants ont prévu d’aller acheter un sapin de Noël, malgré le temps pluvieux. Mais au moment de sortir, ils découvrent que la porte d’entrée ne s’ouvre pas.

La porte de derrière est également condamnée tout comme le garage et toutes les fenêtres de la maison. Ils sont bloqués chez eux, sans savoir pourquoi, ni pour combien de temps.

En regardant dehors, ils réalisent que leurs voisins vivent exactement la même chose.

Mon avis sans spoiler

Le Dernier Refuge démarre sur des chapeaux de roue. Ce que vous venez de lire se passe dans les 10 premières minutes du film. L’ambiance se tend immédiatement et on ne peut pas s’empêcher de jeter un oeil suspect vers la poignée de notre porte d’entrée…

Le Dernier Refuge est classé PG13 et c’est justifié: c’est intense. On est dans une thriller survivaliste, pas loin du film d’horreur par moment, qui réveille nos angoisses pandémiques.

Vous ne serez pas surpris d’apprendre que le scénariste Matthew Robinson l’a écrit au début des confinements, pendant une période de deux semaines d’intense inspiration.

Il n'a pas voulu parler du Covid. En revanche, il en a conservé l'essentiel de cette période étrange et effrayante: cette sensation de voir son quotidien basculer du jour au lendemain.

Le carton est quasiment assuré puisque tout le monde pourra s’identifier aux protagonistes.

Jason, Ann et leurs enfants vont passer par toutes les émotions et tous les états: la peur, l’organisation, l’acceptation, l’ennui, la dépression…

Ils vont devoir apprendre la solidarité, puiser dans leurs réserves de patience et de compréhension pour tenir bon.

Le Dernier Refuge est efficace même si c’est loin d’être parfait. Le rythme est inégal et on passe parfois un peu trop abruptement d’une émotion à une autre.

Certaines scènes incluant des animaux vont sûrement vous faire détourner les yeux. Le sort réservé au chien m’a un peu traumatisée.

Enfin, la résolution de l’intrigue me laisse sur ma faim. C’est trop flou ou mal expliqué.

L’idée de départ est suffisamment forte pour garder le spectateur impliqué (et le faire paniquer), le jeu d’acteurs est bon, le côté film catastrophe fonctionne!

Le film provoquera immanquablement les mêmes conversations dans les foyers du monde entier.

Comme moi, vous ouvrirez votre frigo et vos placards pour faire l’inventaire de ce qui s’y trouve et vous vous demanderez: combien de temps pourrait-on survivre avec ce qui s’y trouve?

Les coulisses d’un tournage complexe

Evidemment, le scénario fait penser aux confinements de 2020 lors de la pandémie. Louis Leterrier ne voulait pas faire un film sur le coronavirus mais il voulait « aborder notre expérience collective durant cette période ».

D’abord, on pense pratique: il faut se nourrir et se protéger. Ensuite, il faut tenir psychologiquement, mentalement, émotionnellement. Et c’est là que ça se complique.

Le réalisateur l’a confié dans la presse américaine: malgré son expérience des grosses productions hollywoodiennes, The Last House est probablement le film le plus difficile qu’il ait réalisé.

Louis Leterrier qui a grandi avec les films de Steven Spielberg s’en est inspiré: il voulait que tout soit authentique.

Toute la maison ainsi qu’une partie du quartier ont été construits en studio. Le décor devait évoluer naturellement au fil du récit: la maison vieillit, les objets s’usent, les appareils tombent en panne et les jouets des enfants se détériorent progressivement. Pour obtenir ce résultat, le tournage s’est déroulé dans l’ordre chronologique

Les acteurs ont également dû modifier leur apparence au fil de l'histoire, en prenant d'abord du poids avant d'en perdre progressivement, afin de refléter l'évolution de leurs personnages.

Autre défi: les animaux présents dans le film sont de véritables animaux sauvages. Comme l’a expliqué le réalisateur à The Hollywood Reporter, ils se comportaient... comme des animaux sauvages, ce qui compliquait certaines scènes.

Pour rendre les situations de survie crédibles, la production a également fait appel à Megan Hine, spécialiste reconnue de la survie en milieu hostile.

Un travail minutieux qui se ressent à l’écran.

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Je n’aurais pas cru vous dire ça sur Toy Story 5.

Ce film est une merveille absolue, il est aussi bon que le premier volet sorti il y a 30 ans.

Toy Story 5 n’a pas peur de mettre Woody et Buzz de côté pour laisser la lumière à Jessie, qui prend la direction des opérations. Sa petite fille la délaisse au profit de Lilypad, sa nouvelle tablette que ses parents lui ont offert dans l’idée de l’aider à se faire des amis… Mais Lilypad, qui croit pourtant bien faire, empire la solitude de l’enfant. Jessie et ses amis jouets vont tout faire pour l’aider.

Toy Story 5, qui propose une nouvelle galerie de personnages mi-old school mi-technologiques, est à voir en famille pour une conversation intéressante et pas culpabilisante sur les écrans. C’est un film qui rappelle l’importance de l’imagination et du lien humain.

La force du film, c’est qu’il n’est jamais donneur de leçons: il invite à trouver un moyen de faire avec les écrans au lieu de les mettre au feu ou, au contraire, de se laisser engloutir par les algorithmes.

C’est drôle, joyeux, émouvant. On repense avec un petit pincement de nostalgie à nos jouets qu’on aimait tant et dont on s’est un jour désintéressé. ❤️

Toy Story 5 nous invite à préserver le monde de l’enfance aussi longtemps que possible. Un joli message en ce début d’été…

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Je vous invite à lire ma rencontre avec les créateurs de Toy Story ici. J’ai écrit un article complet pour Le Petit Journal.

Et je pense que j’ai craqué le secret de la réussite de ce cinquième volet. Je vous explique ça dans cette vidéo.

Retrouvez mes images exclusives de la première mondiale de Toy Story 5 à Hollywood. Taylor Swift était là, tout comme Tom Hanks et Tim Allen. C’était génial.

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Derrière son esthétique anxiogène et ses labyrinthes interminables, le film semble raconter quelque chose de beaucoup plus intime: l’effondrement psychologique de son personnage principal.

Que signifie vraiment la fin de Backrooms? Voici mon interprétation.

Avant de lire ce qui suit, n’hésitez pas à mon autre article - celui-là sans spoiler. Il vous explique clairement comment le phénomène des Backrooms a commencé et ce que sont exactement les Backrooms. Et voici ma critique en vidéo.

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SPOILERS - SPOILERS - SPOILERS

Que représentent les Backrooms dans le film ?

Dans le film de Kane Parsons, les Backrooms ressemblent à une dimension parallèle composée de pièces vides, d’escaliers sans issue et de couloirs éclairés au néon.

On les découvre lors que le personnage de Clark traverse le mur de son magasin de meubles.

Ces espaces labyrinthiques immenses semblent représenter l’inconscient de Clark.

Lorsque le personnage entre dans les Backrooms, il est psychologiquement fragile. Alcoolique, isolé et profondément malheureux, il suit une thérapie avec Mary, une psychothérapeute interprétée par Renate Reinsve.

Le film suggère que cette analyse réveille des traumatismes enfouis.

Les Backrooms deviennent alors une matérialisation de l’état mental de Clark: un espace infini dans lequel il se perd progressivement.

Une métaphore de la dépression et de la folie

Tout dans les Backrooms évoque l’épuisement psychologique.

Les pièces se ressemblent toutes. Les couloirs semblent ne mener nulle part. Clark avance sans jamais trouver de sortie, comme quelqu’un prisonnier de ses pensées.

Le film joue aussi constamment avec la confusion entre réalité et hallucination.

Plus Clark s’enfonce dans cet univers, plus ses souvenirs semblent se déformer. Les frontières entre son passé, ses angoisses et la réalité deviennent floues.

Les Backrooms pourraient donc représenter une forme de dépression sévère ou même une descente dans la folie.

Que se passe-t-il pour Mary quand elle entre dans les Backrooms?

Mary n’est pas seulement une thérapeute observant son patient de l’extérieur. Le film révèle qu’elle porte elle aussi ses propres traumatismes.

On apprend notamment que sa mère a été internée. Elle comprend donc intimement la peur de perdre pied mentalement.

Quand Clark disparaît, Mary pénètre à son tour dans les Backrooms pour tenter de le retrouver. Mais son voyage ressemble rapidement à une confrontation avec ses propres angoisses.

Le film montre alors deux personnages enfermés dans leurs blessures psychologiques respectives.

Que signifie la créature finale?

Dans la dernière scène, Clark est dévoré par une immense entité qui lui ressemble.

Cette créature, jouée par Robert Bobroczkyi, un basketteur de 25 ans grand de 2m31, semble représenter une version monstrueuse de lui-même.

Depuis le début du film, Clark tente d’échapper à ses traumatismes et à sa colère intérieure. Mais dans la fin de Backrooms, il finit littéralement par se faire engloutir par ce qu’il a essayé de fuir.

Le monstre n’est peut-être pas une créature extérieure. Il pourrait être la matérialisation de sa propre destruction psychologique.

La fin de Backrooms expliquée

Mary parvient finalement à sortir des Backrooms. Elle est récupérée par une société scientifique, à la base spécialisée dans l’IRM, mais qui étudie désormais ce phénomène étrange.

Cette conclusion laisse volontairement un tas de questions sans réponse.

En refusant de tout expliquer, Kane Parsons fait de son film une expérience sensorielle et psychologique. Backooms est moins une histoire de monstres qu’une histoire de solitude, de psychologie ratée, de trauma et de la peur de se perdre soi-même.

Comment avez-vous compris Backrooms, vous?

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Un homme court dans des couloirs jaunes sans fin. Les néons grésillent. Quelque chose le poursuit, mais on ne voit jamais vraiment quoi. C’est comme ça que s’ouvre Backrooms, le film du nouveau jeune génie de l’horreur hollywoodien, Kane Parsons.

Depuis plusieurs semaines, Backrooms envahit TikTok, Reddit et les réseaux sociaux américains. Et aujourd’hui, ce phénomène né sur Internet est devenu l’un des plus gros succès horrifiques de l’année au cinéma.

Le film du vidéaste de seulement 19 ans révélé sur YouTube a déjà rapporté 200 millions de dollars aux Etats-Unis pour un budget estimé à 10 millions. Un succès colossal pour un film inspiré… d’une simple photo devenue virale.

Mais au fond, c’est quoi exactement, les Backrooms? Explications si vous n’avez pas compris la hype ni de quoi on parlait.

Et si vous voulez connaître mon interprétation personnelle de Backrooms, je vous explique la fin du film et tout ce que j’ai compris du film de Kane Parsons.

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Backrooms: comment tout a commencé?

Il y a une dizaine d’années, la photo d’une pièce vide au papier peint jaune a été postée sur un forum Internet.

Eclairée au néon, c’est une pièce étrangement familière, le genre à apparaître dans nos cauchemars. C’est un endroit effrayant, sans qu’on sache exactement pourquoi.

Qu’est-ce qui nous fait peur? Sa grandeur, le fait qu’elle soit vide, sa lumière jaunâtre, l’impression qu’on ne pourra jamais en sortir? Aucune idée, mais le fait est là: cette photo provoque l’angoisse.

Très vite, des internautes commencent à imaginer l’histoire cachée derrière cette image. Ils inventent alors les “Backrooms”, des labyrinthes infinis composés de bureaux désertés, de couloirs sans fin et de pièces impersonnelles où l’on pourrait se retrouver piégé pour toujours.

Le concept devient l’une des creepypasta les plus célèbres d’Internet.

Creepypasta, c’est quoi ça?

Pour ceux qui débarquent - et je ne vais pas me la raconter parce que je n’y connaissais rien avant la sortie du film - une creepypasta, c’est une histoire courte horrifique qui circule sur internet, souvent racontée à la première personne, écrite pour faire peur et partagée comme une légende urbaine digitale.

Le mot vient de “copypasta” (qui lui-même est la contraction de copy - past, comprenez donc qu’il s’agit d’un texte copié-collé partout en ligne) + “creepy” (effrayant).

Pourquoi les Backrooms nous angoissent?

Le phénomène repose sur l’existence d’espaces liminaux.

Ce sont des lieux familiers de transition vides: un aéroport, une salle d’attente, un centre commercial, un quai de gare, un couloir d’hôtel…

Des endroits que l’on traverse avec une trouille un peu sourde au fond du ventre lorsqu’ils sont vides.

On a une impression d’immensité. Et l’impression, aussi, que quelqu’un nous observe.

Ces espaces existent mais les backrooms n’existent pas, si vous vous posiez la question.

Kane Parsons, le YouTubeur de 19 ans qui bouscule Hollywood

En 2002, Kane Parsons se met à poster des courts-métrages inspirés de cette photo. Il y a met des gens qui évoluent dans ces labyrinthes terrifiants. Sa websérie oppressante fait un carton: chaque vidéo compte plusieurs millions de vues.

Son génie est simple: transformer des lieux ordinaires en cauchemars absolus.

Un couloir vide nous met la boule au ventre. Une salle éclairée au néon donne l’impression qu’un danger peut surgir à tout moment.

Hollywood a rapidement compris le potentiel du projet. Plutôt que de transformer complètement son univers, le studio a conservé ce qui faisait sa force: cette sensation d’être coincé dans un rêve anxiogène dont on ne peut pas sortir.

Et voilà donc aujourd’hui Kane Parsons à Hollywood, en train de redéfinir le genre du film d’horreur.

La bande-annonce de Backrooms

De quoi parle le film Backrooms?

Le film reprend le concept exploité par Kane Parsons sur YouTube. La séquence d’ouverture nous montre un homme paniqué errant dans les couloirs jaunâtres d’un endroit indéfini, sans fenêtres. L’homme est essoufflé, poursuivi par une entité invisible dont on sent la présence partout.

On dézoome après la séquence d’ouverture et on découvre les protagonistes.

On rencontre Clark, vendeur de meubles alcoolique et en colère, joué par Chiwetel Ejiofor (12 years a slave). Il consulte Mary, psychothérapeute. Elle est interprétée par Renate Reinsve (Valeur Sentimentale). On comprend qu’il en a gros sur la patate.

Il faut dire qu’il a une vie misérable. Il est le héros d’une publicité risible, où il apparaît déguisé en pirate, qui ne lui ramène aucun client, il dort dans l’un de ses lits d’exposition et il est terriblement seul.

Une nuit, il découvre l’existence d’un passage dans un mur de sa boutique, lui permettant de passer dans une dimension parallèle.

On le suit dans son exploration de cet univers infini, monotone, plein de portes, d’escaliers et de passages étroits, qui ne semblent mener nulle part.

Mon avis sur Backrooms

Backrooms fonctionne surtout grâce à son atmosphère.

Le film ne cherche jamais à tout expliquer. Il préfère installer une sensation de malaise permanent.

La caméra est nerveuse. Elle offre souvent le point de vue de Clark, comme si le film était tourné caméra à l’épaule.

Si ça n’a rien de nouveau - j’ai pensé à Blair Witch Projet tout le long du film -, ça permet d’être complètement avec lui.

On n’a pas d’angle de vue plus large nous permettant d’anticiper ce qui va lui tomber dessus. On est coincé avec lui. Ca fait monter la tension.

Ca perd un peu en puissance quand Mary pénètre à son tour dans les Backrooms mais le jeu de Renate Reinsve est convaincant et nous pousse à fermer les yeux sur la répétition.

Backrooms maintient la tension tout le long et offre une fin satisfaisante. Le film laisse une empreinte physique, longtemps après sa vision.

Ce n’est pas un “simple” film d’horreur. C’est un film qui parle de solitude, d’angoisse et de la peur de se perdre soi-même.

Je vous livre mon interprétation complète, détaillée, et avec spoilers ici.

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Peut-on voir Disclosure Day en famille? Réponse rapide

Disclosure Day est un film noté officiellement PG-13. Ca signifie qu’il peut être vu par des enfants mais avec accord parental recommandé, car certains éléments peuvent ne pas convenir aux moins de 13 ans: violence, langage cru, nudité…

Dans Disclosure Day, n’y a pas de nudité, même pas un baiser, ni de langage cru. Il y a un peu de violence, mais jamais sanglante. Quelques coups de fusils lors de course-poursuites. Mais rien de choquant visuellement.

La peur est ailleurs: dans ce qu’on décide de croire ou non.

Donc, oui, c’est un film qu’on peut voir en famille avec des enfants dès l’âge de 12 ans, voir même un peu avant, si on accepte l’idée que l’enfant risque d’avoir la trouille et de poser des questions sur les extraterrestres.

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De quoi parle Disclosure Day?

Ma critique détaillée est ici mais en bref, le film suit une météorologue de Kansas City (Emily Blunt), confrontée à des événements totalement inexplicables.

Très vite, elle est entraînée dans une enquête impliquant un expert en cybersécurité (Josh O’Connor), et une hypothèse de plus en plus sérieuse: l’existence d’une vie extraterrestre que le gouvernement américain pourrait chercher à cacher.

Sur le papier, c’est un film de science-fiction classique. Dans les faits, Spielberg en fait surtout un thriller paranoïaque sur la croyance, la peur et la vérité.

Est-ce que Disclosure Day est adapté aux enfants?

Oui, à partir de 12 ans sans trop de soucis.

Ils vont aimer:

• L’intrigue claire: il y a une enquête et un mystère à résoudre

• La science-fiction accessible

• Le rythme de blockbuster: on ne s’ennuie pas

• L’héroïne féminine forte et à laquelle on peut s’identifier facilement. Elle est la première surprise par ce qui lui arrive. Elle cherche à savoir, et le spectateur l’accompagne dans sa quête

Ce qui peut impressionner les jeunes:

• L’atmosphère tendue, dès l’introduction

• Les scènes de panique. Emily Blunt fait une crise d’angoisse impressionnante après avoir échappé à la mort

• L’inconnu: est-ce que les ovnis existent vraiment? Une menace invisible plane sur le film. Ca peut faire peur quand on est enfant

Ca reste un film “gentil”

L’univers de Steven Spielberg est un univers très humain. Le réalisateur de Jurassic Park et E.T. croit aux OVNIS mais aussi en la bonté humaine. C’est un film « gentil », plein de bons sentiments. Il n’y a jamais de violence gratuite. C’est optimiste, plein d’espoir, un peu naïf.

Je préfère vous avertir d’une chose, sans vous en dire trop: la fin peut surprendre. Elle laisse avec des questions sans réponses claires et immédiates. Ce n’est pas négatif en soi mais ça dépend ce que vous attendez de la résolution.

En résumé

Disclosure Day fonctionnera très bien en famille si les enfants sont habitués aux films de science-fiction et de suspense. Il y a plus de mystère que d’action.

C’est un film qui pose des questions qui peuvent faire peur mais à la fois, j’ai un souvenir très précis de la trouille que je ressentais en regardant les Spielberg de l’époque et cette trouille de cinéma, elle permet d’avancer dans la vie, de mûrir, d’appréhender la vie. Je trouve ça bien d’avoir un peu peur devant un film. Ca permet de comprendre toute la complexité des émotions humaines.

👉 A partir de 12-13 ans, c’est une bonne expérience cinéma

👉 Avant, en fonction de la sensibilité de votre enfant, je conseillerais de le regarder à la maison plutôt qu’au cinéma, pour pouvoir faire des pauses et en parler.

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Un conseil: évitez d’en savoir trop. Moins vous en savez avant d’entrer dans la salle, plus le film fonctionne.

Même si c’est le grand jour de la révélation, cet article est garanti sans spoiler!!

Disclosure Day: ça raconte quoi?

C’est l’histoire d’une météorologue de Kansas City (exceptionnelle Emily Blunt) à qui il arrive soudainement des choses incroyables, qu’elle n’arrive pas à expliquer et qui la font complètement paniquer. Quelqu’un l’appelle et lui annonce qu’elle doit rencontrer un expert en cybersécurité (toujours génial Josh O’Connor) pour comprendre ce qui lui tombe dessus…

Dans Disclosure Day, il est question d’extraterrestres, d’informations que le gouvernement américain cache au monde entier et de personnes désireuses que ces informations ne soient pas divulguées. Rien de nouveau sous le soleil, me direz-vous. C’est vrai.

Sauf que c’est Spielberg… Et ce qui est intéressant, c’est que pour lui, il ne s’agit pas vraiment d’une fiction!

Je vous laisse jeter un oeil à la bande-annonce avant d’aller plus loin même si je trouve qu’elle en dit un peu trop déjà…

Disclosure Day est une fiction mais pas vraiment selon Spielberg

Disclosure Day est un film qui interroge: que se passerait-il si les gens apprenaient, preuves à l’appui, que les extraterrestres existent vraiment? Pour le réalisateur de 79 ans, le « si » devrait être remplacé par un « quand ».

Steven Spielberg est convaincu de l’existence des extraterrestres. Et il n’a personnellement aucun doute que le gouvernement américain cache des choses à la population.

Pour construire Disclosure Day, il s’est nourri de documentaires, d’articles de presse, de témoignages et même des auditions du Congrès américain autour des phénomènes aériens inexpliqués.

Le réalisateur confie n’avoir absolument pas peur des extraterrestres et ça transparaît dans son film.

Dans une interview accordée à la presse américaine, il regrette en riant qu’aucun alien ne lui ait jamais rendu visite, après tout ce qu’il a tenté cinématographiquement parlant pour entrer en contact avec eux!

Un peu naïf mais je vote pour

Disclosure Day est un excellent divertissement familial (à partir de 12, 13 ans, ça me semble parfait), qui mélange thriller paranoïaque, complot, action, course-poursuite, science-fiction et bons sentiments.

Un peu trop peut-être de bons sentiments, d’ailleurs… Il suffit de voir comment Emily Blunt désarme les méchants: l’univers Spielberg est un peu naïf. Les gens ne sont jamais foncièrement méchants.

Spielberg reste Spielberg: même lorsqu’il parle de manipulation gouvernementale et de secrets d’État, il continue de croire profondément à la bonté humaine.

Par moments, cette vision presque idéaliste frôle le ridicule. Certaines scènes m’ont même fait rire alors qu’elles n’étaient clairement pas pensées comme drôles.

Mais ça passe parce que le film assume totalement son côté grand spectacle américain émotionnel et généreux.

Emily Blunt, incroyable

Je vous le disais Emily Blunt est exceptionnelle. Elle joue une femme qui ne sait pas ce qui lui arrive. Elle est parfaite pour incarner l’incrédulité et l’angoisse.

Elle fait une crise d’angoisse monumentale qui m’a donnée des sueurs froides tellement elle était convaincante. Elle est également parfaite dans la prise en main de son destin, à la fin.

Josh O’Connor, Colin Firth, Colman Domingo et Eve Hewson sont également fantastiques. Petite info people, parce qu’on aime ça: Eve Hewson, qui joue la compagne de Josh O’Connor à l’écran, est la fille de Bono. Vous le saurez pour votre prochain quizz cinéma!

L’enfance, encore

Steven Spielberg aborde depuis toujours les traumatismes d’enfance.

The Fabelmans, probablement son film le plus intime, revenait directement sur le divorce de ses parents. Spielberg disait lui-même après ce film qu’il ne savait plus très bien quoi raconter après avoir autant exposé sa vie personnelle.

Sans surprise, Disclosure Day nous ramène lui aussi à l’enfance. Et le film bascule même, dans son dernier acte, vers quelque chose de beaucoup plus émotionnel avec un twist visuellement merveilleux.

En conclusion

Disclosure Day n’a pas la puissance des plus grands Spielberg, mais ça reste un vrai bon spectacle américain, à découvrir en salle, avec un énorme seau de popcorn.

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Le film Michael, sorti il y a quelques semaines, était réalisé par ses ayant droit et avait fait l’impasse sur les accusations de pédocriminalité portées contre Michael.

Ma critique de Michael est à lire ici.

On me dira: oui mais le film s’arrête avant. Oui ok, mais on ne va pas se mentir: pour la famille Jackson impliquée dans ce projet, éviter ce moment de vie-là, c’était délibéré.

On me dira: oui mais il est innocent. Non, il a été déclaré non-coupable, ce n’est pas la même chose, mais j’y reviens plus bas.

Michael Jackson: Le verdict sur Netflix revient, en 3 épisodes d’a peu près 50 minutes, sur le procès de Michael Jackson de 2005.

Il tombe à point nommté: le Roi de la pop a été acquitté il y a 21 ans, le 13 juin 2005.

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Un documentaire assez objectif

Le mot documentaire de nos jours est un peu galvaudé, c’est souvent à charge dans un sens ou dans l’autre, on comprend en tout cas de quel bord est le réalisateur.

Ici Nick Green fait un travail assez rigoureux, et aussi objectif que possible en laissant la parole autant à ceux qui faisaient partie de l’accusation qu’à ceux qui faisaient partie de la défense. Ils interrogent les journalistes qui étaient dans la salle à l’époque, les fans plantés devant la grille, certains membres du jury…

Les moments chocs de Michael Jackson: Le Verdict

Il y a des moments choquants dans Le Verdict: la perquisition de Neverland, qui ouvre le doc, avec cette chambre cachée que l’on découvre à l’étage…

Un peu plus tard, je crois que j’avais la bouche ouverte lors de l’interview de Martin Bashir. Jackson avait accepté de lui parler parce que la Princesse Diana l’avait fait avant lui. Sauf qu’il était assez mal renseigné sur l’interview qu’elle avait donnée et surtout l’impact catastrophique qu’elle avait eue dans sa vie. C’est dans cet entretien qu’elle admettait l’infidélité de Charles.

Bref, MJ lui a parlé et lui a présenté, à la surprise générale, un jeune garçon, Gavin Arvizo. Face caméra, alors que Gavin lui tient la main et pose sa tête sur son épaule, il déclare qu’ils dorment ensemble dans le même lit. C’est hallucinant à regarder. Martin Bashir lui-même n’en revient toujours pas de cette confidence qui a eu l’effet d’une bombe.

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Ce documentaire pointe le comportement erratique et problèmatiques de Michael lors du procès, sans chercher ni à l’expliquer ni à l’excuser (on ne parle pas de son partenel abuseur et de son enfance malmenée), mais aussi l’acharnement de la justice à son égard.

C’est un procès que j’avais suivi de près pour un grand quotidien belge. J’étais au début de ma carrière, j’écrivais en people. Je me souvenais de l’arrivée de Michael Jackson en pyjama au tribunal, des titres des tabloïds, les réseaux sociaux de l’époque, du lendemain. Je me souvenais que tout le monde pensait qu’il avait voulu se victimiser mais en revoyant les images maintenant, on voit surtout un mec défoncé, hagard, qui n’a pas bien l’air de comprendre ce qu’il fait là.

On réfléchit à notre rapport à la célébrité

Le Verdict donne les témoignages de gens qui étaient impliqués dans le dossier. 20 ans plus tard, on découvre qui le pensait innocent ou coupable.

Ces trois épisodes font réfléchir à notre propre comportement. On constate à quel point on juge sans savoir et l’impact de la célébrité sur ce qu’on pense des gens.

Non coupable, oui. Mais pas pour autant innocent…

Le Verdict ne donne aucune conclusion personnelle. Une journaliste d’investigation résume tout en une phrase: elle rappelle qu’il a été jugé non coupable mais pas innocent.

L’accusation n’a pas réussi à prouver la culpabilité “au-delà de tout doute raisonnable”, il a donc été acquitté. C’est la vérité judiciaire.

Ca ne veut pas dire qu’il n’a pas commis les faits dont on l’accuse. C’est juste qu’on ne saura jamais vraiment ce qui s’est réellement passé.

Ces accusations et ce procès ont mis fin à la carrière de Michael Jackson. Il ne s’est jamais relevé. Il est mort quatre ans plus tard.

Le Verdict ne prend pas parti, il déroule des faits, et dans ce monde perpétuellement plein d’opinions tranchées et souvent données à l’emporte pièce, c’est un bon taf de journaliste, ça fait du bien.

A voir sur Netflix.

Mon avis sur Michael Jackson: Le Verdict en vidéo

Mais Michael Jackson était aussi un homme au comportement problématique envers les enfants.

Les deux coexistent. La première info n’annule pas la deuxième et vice-versa.

Michael a toujours nié les accusations de pédocriminalité. Il a été innocenté lors d’un procès tonitruant en 2005. Il a payé des millions de dollars pour des règlements à l’amiable. Le documentaire Leaving Neverland est toujours dans les mémoires et encore aujourd’hui, 16 ans après sa mort, une nouvelle plainte est portée contre lui.

Dans le film qui lui est consacré, et qui est produit par ses proches et les avocats responsables de sa succession, aucune mention de tout ça. Le réalisateur Antoine Fuquaa avait pourtant promis qu’il traiterait de “the good, the bad and the ugly”. On en est loin. Pourtant, au début, l’idée était concrète.

Selon Variety, la première mouture du film évoquait les accusations. On ne sait pas exactement comment - pour l’innocenter ou pas? Mais on sait qu’elle montrait Michael Jackson, interprété par son neveu Jaafar Jackson, se regarder dans une glace alors que les gyrophares d’une voiture de police arrivant devant chez lui s’y reflétaient.

Six mois après la fin du tournage, ces scènes ont été totalement supprimées. Les avocats de MJ auraient découvert sur le tard - comment est-ce possible? - qu’un accord juridique interdisait la représentation ou la mention de Jordan Chandler, le premier enfant à avoir accusé Michael Jackson d’abus sexuel, en 1993 dans un film. 10 à 15 millions de dollars ont dû être remis sur la table pour relancer le tournage.

Le biopic s’arrête avec la sortie de l’album Bad en 1987, et fait donc l’impasse sur toutes les controverses qui ont surgi dès 1993.

Un film pour les fans qui vivent “dans un fantasme”

Le film est un film fait pour ceux qui “vivent dans un fantasme”, selon les propos de Paris Jackson, qui ne veut pas y être associée. Janet Jackson, elle, a carrément refusé d’y apparaître.

Peu importe la qualité ou la véracité du film, l’opération promet d’être lucrative. Lionsgate vise entre 65 et 70 millions de dollars de recettes pour son premier week-end d’exploitation.

Ce qui en ferait le meilleur démarrage de tous les temps pour un biopic musical.

La version vidéo de cet article est ici:

En tout cas, voici ce que j’ai pensé de Michael.

Ma critique de Michael

Autant vous le dire d’emblée, c’est un film qui, cinématographiquement parlant, ne sert pas à grand-chose.

La réalisation n’est pas du tout inventive. Michael est un long clip vidéo. On traverse les époques, des Jackson Five à Bad, avec des extraits de concert déjà vus par ailleurs.

Tout est effleuré

Au rayon personnel, tout est effleuré. Parce qu’on n’a pas assez d’un film pour raconter le parcours de Michael Jackson.

Mais aussi parce que le film est un film partisan, produit par ses proches qui entretiennent l’image angélique du génie maltraité qui sert leur intérêt et leur portefeuille.

Alors oui, Joseph Jackson était un monstre qui battait ses enfants, Michael avait un singe comme animal de compagnie, il aimait se rendre au chevet des enfants malades à l’hôpital.

Il avait conscience de sa grandeur mais à la fois, il était complexé par son physique. On voit dans le film sa première opération de chirurgie esthétique, pour réduire la taille de son nez.

Michael Jackson était une victime, oui. Ca ne fait aucun doute. Victime de son père et ensuite de son succès sûrement. Toute sa vie, vu qu’il a commencé jeune, les gens qui l’entouraient ont voulu quelque chose de lui.

Mais Michael Jackson n’était pas que ça, c’est certain.

Alors oui, en écrivant ça, je pense ici aux accusations d’agression sexuelle, nombreuses.

A toutes ces nuits qu’il a passées avec des enfants dans son lit.

Mais aussi à son passif de Témoin de Jéhovah, par exemple. Vous saviez, vous, que le clip Thriller avait failli ne pas voir le jour à cause de la pression de son église qui y voyait un pacte avec le diable? Michael avait failli détruire le clip, devenu historique. Le film ne parle jamais de ses croyances.

Un mystère: c’est ce qu’il était et ce qu’il restera

Dans le biopic, Michael annonce refuser les interviews de promotion. Il dit que sa meilleure promotion, c’est sa musique. Il dit vouloir rester “mystérieux”.

En regardant le film, c’est ce que je me suis dit: Michael est toujours aujourd’hui un mystère.

On connait l’artiste et personne ne connaîtra jamais l’homme, même pas sa famille.

Il était différent, taiseux, discret dans sa vie personnelle. Certains diront que c’est parce qu’il était “pire que Jeffrey Epstein” (ce sont les mots de Dan Reed, le réalisateur du documentaire Leaving Neverland).

D’autres diront que c’est parce que son père l’a brisé, que son succès l’a dépassé, isolé, privé d’interactions sociales normales.

Michael donne envie de revoir les clips originaux

Michael montre des scènes disponibles sur YouTube. Et c’est la seule chose que ça a provoqué chez moi: l’envie d’aller revoir les originaux. Je l’ai fait.

Son premier moonwalk au concert anniversaire des 25 ans de Motown.

Le making-of du clip Thriller.

Ses adieux aux Jackson 5, lors de la tournée du Victory Tour, qu’il n’avait acceptée que pour faire plaisir à ses frères et pour contenter son père. Il n’avait prévenu personne et il a pris le micro pour dire qu’il arrêtait.

Un petit mot quand même sur Jaafar Jackson, qui l’incarne dans le film. Il est un excellent imitateur, mais je ne sais pas si ça en fait un bon acteur. Vous jugerez, si vous allez le voir.

Y aura-t-il une deuxième partie de film sur Michael Jackson?

Certains disent que Michael a été tourné en sachant qu’il y aurait deux films. C’est faux. Le biopic n'a jamais été conçu comme un film en deux parties, mais au cours de la dernière année, dans un contexte de reshoots chaotiques et de reports de dates de sortie, l'idée de scinder le film a pris forme.

Le film se finit par cette phrase: His story continues. Les fans jurent que ça veut dire qu’il y aura une suite. Mais on peut simplement comprendre que l’histoire de Michael continue “dans la vraie vie” après ça.

Les studios Lionsgate et Universal, les ayants droit de Michael Jackson, le producteur Graham King et le réalisateur Antoine Fuqua souhaitent un deuxième film.

Mais une source a confié au Hollywood Reporter que le scénario de ce potentiel deuxième film, écrit par John Logan, n'est pas encore finalisé, et des sources internes affirment qu'aucune décision officielle ne sera prise avant la sortie de Michael, le 24 avril, aux USA. L’annonce sera donc bientôt faite, si annonce il y a à faire.

Mais je doute quand même très fort que la famille aborde en frontal les accusations et le procès. Et si c’est fait, ça sera forcément pour montrer Michael sous son meilleur jour.

Un film destiné à remplir le tiroir-caisse

En tout cas, clairement: Michael n’est pas un film destiné à faire la vérité sur le mythe. C’est une opération pour remplir le tiroir-caisse de ceux qui vivent toujours sur sa notoriété. Il a été exploité par sa famille pendant des années. Il l’est toujours après sa mort.

Si vous voulez vraiment reprendre une dose de Jackson Mania, regardez This is it, le documentaire sur son ultime tournée avortée.

Mais j’étais curieuse de voir ce que Chase Infiniti allait faire dans le rôle principal. Et j’avais hâte quand même de voir ce qu’Ann Dowd allait faire de Tante Lydia, le personnage le plus fascinant de cette saga. J’ai craqué, j’ai vu toute la première saison de The Testaments, et je n’ai pas trop regretté.

Dans cet article, je vous donne mon avis sur la série et je vous raconte ma discussion avec Ann Dowd.

🍿 Ma critique complète de The Testaments pour Le Petit Journal est à lire ici.

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Mon avis sans spoiler sur The Testaments

Je n’ai pas pris le même uppercut qu’à l’époque de ma découverte de The Handmaid’s Tale. Mais j’ai aimé retrouver l’univers cruel de Gilead. Pour rappel, Gilead, c’est l’Amérique gouvernée par des hommes blancs, vieux et tout puissants qui pensent que les femmes ne servent qu’à faire des enfants. A l’époque, on avait l’impression d’être dans une série dystopique. Ce n’est plus vraiment le cas aujourd’hui. C’est encore plus terrifiant.

Dans l’univers des jeunes filles de Gilead

Chase Infiniti, qui joue la fille de Leonardo DiCaprio dans One Battle After Another, joue ici la fille de June Osborne. Elle est Hannah, arrachée à sa mère au tout début de The Handmaid’s Tale. June n’a eu de cesse de tenter de la retrouver. Hannah, rebaptisée Agnès par ceux qui l’ont adoptée, a été élevée à Gilead. Elle n’a aucun souvenir de sa vie d’avant, elle n’a jamais rien connu d’autre. Elle ne lit pas, ne regarde pas la télé, n’écoute pas les infos.

Sa vie et celle de ses amies consistent à attendre d’être en âge d’épouser un Commandant. Elles trépignent d’impatience à l’idée d’avoir leurs règles et de pouvoir, enfin, changer de statut, devenir épouse et mère. Mais alors que l’échéance se rapproche, la peur commence à grandir.

Elles commencent à se demander si c’est vraiment ce qu’elles veulent, si elles ont le choix, si elles ont le droit d’émettre une opinion, d’avoir un libre arbitre. C’est une réflexion intéressante sur l’inné et l’acquis. Il y a ce qu’on leur a enseigné mais il y a aussi ce qui les anime profondément, spontanément. Un appel de la liberté qui les réveille.

Ann Dowd: “Heureusement qu’elles sont fortes”

Tante Lydia est toujours là. Elle est à la tête de l’école fréquentée par les jeunes filles. Elle leur apprend les bonnes manières. Elle leur apprend à ne surtout jamais broncher, à accepter ce qui leur est imposé. J’ai pu discuter avec Ann Dowd, l’interprète de Lydia, un personnage cruel pour lequel j’ai malgré tout de l’empathie. Ann Dowd a vieilli, forcément, depuis The Handmaid’s Tale, et les actrices avec lesquelles elle partage l’affiche ont rajeuni.

En évoquant l’état du monde, en embrassant le jeune casting des yeux, Ann Dowd soupire: “Heureusement qu’elles sont fortes. Le monde dans lequel on vit n’est pas particulièrement heureux, c’est le moins que l’on puisse dire. Il va falloir de la force, de la contestation, de la conscience et de la vigilance de la part de chacun pour que ça change. Et s’il y avait un moyen de se débarrasser du président des États-Unis, ce serait merveilleux.”

L’épisode brutal qui explique comment Tante Lydia est devenue Tante Lydia

L’épisode 6 de The Testaments, qui sera dévoilé le 29 avril aux USA, est le plus brutal. Il montre comment Lydia, qui était enseignante, est devenue Tante Lydia. Comment une femme a-t-elle réussi à avoir ce rôle de maman-tortionnaire dans un univers d’hommes?

C’est l’épisode le plus réussi de cette première saison de The Testaments parce qu’il pousse à s’interroger: qu’aurions-nous fait dans la même situation? Son attitude et ses actions sont faciles à juger. Mais rien n’est jamais ni tout blanc ni tout noir.

J’ai demandé à Ann Dowd de m’expliquer ce qu’elle pensait de son personnage. Est-ce qu’elle protège les filles ou elle se protège elle-même pour survivre? “Je pense que cela commence avec elle-même: la survie”, me dit-elle. “Et je pense que c’est ce que nous voyons dans l’Épisode 6.”

“Si vous voulez survivre, vous ferez exactement ce qu’ils vous demandent de faire. Et si vous ne voulez pas être une Tanta lambda, une Tante qui n’a rien à dire, vous faites votre travail du mieux que vous pouvez pour pouvoir gouverner la situation.”

Qui est vraiment Tante Lydia? La réponse d’Ann Dowd

Depuis le début de The Handmaid’s Tale, je ne sais pas si elle est gentille ou si elle est méchante. Elle est un peu des deux, tout le temps. Ca explique sa relation particulière avec June Osborne.

Elle lui a fait les pires horreurs et elle l’a aussi souvent protégée. “Je pense qu’elle est une personne profondément dévouée”, analyse Ann. “Gentille n’est peut-être pas le mot que j’utiliserais. Mais elle aime ces filles de façon profonde. C’est réel.”

Dans la dernière saison de The Handmaid’s Tale, Tante Lydia comprend le rôle qu’elle a joué dans Gilead. Elle s’était convaincue que l’ordre de Gilead était juste, elle constate qu’elle a brisé des femmes pour la vie. Qu’elle a causé des traumatismes irrécupérables. Elle est moralement bousculée.

Tante Lydia avait besoin de ces quatre années entre The Handmaid’s Tale et The Testaments pour se reconstruire. “On la voit à la fin de The Handmaid’s Tale dans un état de très profonds remords. Qui elle était a été réduit en miettes, on l’a forcée à regarder ce qu’elle a réellement fait, pas ce qu’elle pensait faire. Donc elle avait besoin de ce temps entre The Handmaid’s et The Testaments pour se demander: qui vais-je être désormais? Elle reconstruit qui elle est, en créant l’Académie pour les jeunes filles des Commandants et les Pearl Girls. C’est une âme plus douce avec un groupe de filles différent. Elle les aime profondément, comme elle aimait les Servantes.”

The Testaments a pu bénéficier des conseils avisés d’Elisabeth Moss, au coeur du projet depuis le début. Elle est productrice et elle fait quelques apparitions dans The Testaments mais je vous laisse découvrir pour quelles raisons on la fait revenir. Ann Dowd souligne “sa générosité”. “Quand elle nous dirigeait dans The Handmaid’s Tale, c’était un billet pour le paradis. Sa connaissance de tous les personnages, de tout ce qui se passait… C’est une femme magnifique.”

The Testaments est à voir dès à présent sur Disney +.

Les propos d’Ann Dowd dans cet article ont été tenus lors d’une conférence de presse donnée le 30 mars 2026 à laquelle j’ai personnellement assisté.

Drive

Ryan Gosling ne parle presque pas dans Drive de Nicolas Windin-Refn. Il n’en a pas besoin. Son regard, son attitude racontent le nécessaire. Drive est un film de gangsters qui cache un film d’amour impossible. Ce regard contient à lui seul toute la tragédie de ce qui va suivre.

Revolutionary Road

Leonardo DiCaprio et Kate Winslet, réunis dix ans après Titanic par Sam Mendes, pour jouer un couple qui se déteste avec la même intensité qu’ils s’aimaient à l’époque. C’est malin! Ce qui est dévastateur dans Les Noces Rebelles (le titre en français), c’est que les regards sont foudroyants d’épuisement, de déception, de tout ce qu’on n’a plus la force de dire.

Past Lives

La dernière scène de Past Lives est l’une des plus belles de la décennie. Nora et Hae Sung qui se regardent sur le trottoir, après vingt-quatre ans de vies parallèles, de chemins qui ne se sont jamais vraiment croisés. Ce regard contient quelque chose d’intraduisible: le poids d’une vie qu’on n’a pas vécue. Celine Song a fait un film sur l’amour et le deuil d’une version de soi-même. Prenez des mouchoirs.

Before Sunrise

Jesse et Céline se rencontrent dans un train pour Vienne. Ils ont une nuit. Tout se passe dans les yeux, dans les mots, dans cette façon qu’ils ont de se regarder comme si le monde autour d’eux avait cessé d’exister. Before Sunrise est un film romanesque, qui capture exactement ce moment suspendu où on sent que quelqu’un nous voit vraiment pour la première fois.

Brokeback Mountain

Ang Lee filme deux hommes qui s’aiment avec une pudeur absolue. Deux hommes qui se regardent et, dans ce regard, toute la vie qu’ils n’auront pas. Brokeback Mountain reste l’un des films d’amour les plus déchirants de l’histoire du cinéma.

Closer

Closer est le film le plus cruel de ette liste. Quatre personnages qui s’aiment et se détruisent avec une précision chirurgicale. Les regards sont des armes. Jude Law, Natalie Portman, Julia Roberts, Clive Owen, tout le monde ment, blesse et cherche quelque chose qu’il ne trouvera pas. C’est brillant, c’est douloureux, et la dernière scène vous restera en tête longtemps.

Sentimental Value

Grand Prix à Cannes l’an dernier, Oscar du meilleur film international cette année, Sentimental Value de Joachim Trier est l’événement cinématographique de la saison. Renate Reinsve y joue Nora, une actrice de théâtre qui doit affronter le retour de son père absent (Stellan Skarsgård, inoubliable), cinéaste sur le déclin qui veut la faire tourner dans son prochain film. Il y a un long regard entre le père et sa fille quand, enfin, ils se comprennent et se pardonnent. Magnifique!

Titanic

C’est la première fois que Jack et Rose se voient vraiment. Il y a la curiosité de Jake, le trouble de Kate Winslet, qui pendant une demi-seconde, baisse la garde.

La La Land

Ce film m’a mis à genoux. La dernière scène. Mia et Sebastian se regardent une dernière fois dans le club de jazz. Un sourire. Un adieu. Tout ce qu’ils ont partagé, tout ce qu’ils ont raté, tout ce qu’ils ont choisi de sacrifier, tout est dans ce seul regard. La La Land est un film sur les rêves et le prix qu’on paie pour les réaliser. Et cette fin, sans dialogue, sans explication, est splendide.

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Je fais le point sur la Sélection Officielle. Ce sont ces films qui sont en lice pour la Palme d’or. Voici ceux qui m’excitent le plus!

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Histoires parallèles d’Asghar Farhadi

C’est avec qui? Le casting du nouveau film du réalisateur iranien Asghar Farhadi donne envie: Isabelle Huppert retrouve Virginie Efira, qu’elle avait déjà cotoyée dans Mon pire cauchemar et Elle de Paul Verhoeven. Mais aussi à l’affiche: Vincent Cassel, Pierre Niney et Catherine Deneuve.

Ca parle de quoi? En quête d’inspiration pour son nouveau roman, Sylvie espionne ses voisins d’en face. Quand elle engage le jeune Adam pour l’aider dans son quotidien, elle ignore que celui-ci va bouleverser sa vie et son travail, jusqu’à ce que la fiction qu’elle avait imaginée dépasse leur réalité à tous.

Pourquoi ça promet? Parce que Virginie Efira. Je trouve ses choix de films de plus en plus pertinents. Le réalisateur étant iranien, la conférence de presse, au vu de la situation actuelle, risque de prendre un tournant politique.

La vie d’une femme de Charlie Bourgeois-Tacquet

C’est avec qui? Léa Drucker, Mélanie Thierry et Charles Berling.

Ca raconte quoi? Gabrielle n’a pas d’enfant. Elle est cheffe de service en chirurgie à Paris. Elle aime son mari. Elle se lasse de son amant. L’Alzheimer de sa mère s’aggrave. L’hôpital public s’effondre. Son ami le plus précieux vacille. La romancière venue la regarder travailler pour les besoins d’un livre prend de plus en plus de place dans sa vie. Rien ne va de soi, mais Gabrielle n’est pas du genre à se laisser abattre. Gabrielle a décidé d’être heureuse.

Pourquoi ça promet? Parce que Léa Drucker était épatante dernièrement dans Dossier 137 et L’intérêt d’Adam. J’ai hâte de voir ce qu’elle va nous sortir de son chapeau cette fois.

Coward de Lukas Dhont

C’est avec qui? Mystère pour le moment.

Ca raconte quoi? C’est l'histoire de jeunes soldats belges pendant la Première Guerre Mondiale qui affrontent ensemble les ténèbres de la guerre.

Pourquoi ça promet? Lukas Dhont n’était pas prêt. Il avait renoncé mentalement à l’idée de présenter son film à Cannes. Thierry Frémeaux a vu le film la veille de l’annonce de la sélection et l’a estimé si bon qu’il l’a mis au programme. Une belle surprise belge de dernière minute. Lukas a cinq semaines pour peaufiner son travail. Excitation maximale! Après les délicats et bouleversants Girl et Close, je mise beaucoup sur le réal belge.

Soudain d’Hamaguchi Ryusuke

C’est avec qui? Virginie Efira, Tao Okamoto, Gabirelle Dahmani

Ca raconte quoi? À la tête d’un EHPAD en banlieue parisienne, Marie-Lou tente d’y introduire une méthode de soins innovante et très humaine, malgré les résistances. Sa rencontre inattendue avec Mari, une metteuse en scène japonaise atteinte d’un cancer, bouleverse sa trajectoire. Liées par une vision commune et l'attachement de chacune à la langue de l'autre, les deux femmes entament une amitié profonde qui transformera leur regard sur la vie et celui de tout un établissement.

Pourquoi ça promet? Virginie Efira, encore elle! C’est sa première collaboration avec le cinéaste japonais adoré des critiques. Il avait remporté l’Oscar du meilleur film international avec Drive my car. Vous imaginez la mise en lumière pour Virginie si le film se démarque?

L’inconnue d’Arthur Harari

C’est avec qui? Léa Seydoux et Niels Schneider

Ca raconte quoi? À bientôt 40 ans, David Zimmerman est photographe mais personne ne le sait. Alors qu'il ne sort presque jamais de chez lui, des amis le traînent dans une fête insensée. Il y repère une femme dans la foule, ne peut en détacher le regard, la suit... Quelques heures plus tard, David se réveille : il est dans le corps de l’inconnue.

Pourquoi ça promet? Un peu chelou le résumé, non? Ca titille ma curiosité. Arthur Harari, c’était l’un des acteurs du film Le Procès Goldman. Il a aussi joué dans Anatomie d’une chute et Sibyl. C’est accessoirement le mari de Justine Triet. Bref, il a vu faire et il est sûrement très bien conseillé. Hâte de voir si ça l’a inspiré. Thierry Frémaux parle de son film comme d’un “objet de cinéma très particulier”.

Garance de Jeanne Herry

C’est avec qui? Adèle Exarchopoulos et Sara Giraudeau

Ca raconte quoi? Garance est une jeune actrice alcoolique. Huit ans d’un parcours fait de déménagements, de travail, de rencontres, de fêtes et d’angoisses, de joies et de coups durs… Mais aussi une révolution intime, amicale et sexuelle, un chaos aux allures de « grande récré » où se mêlent autant d’amour que de destruction.

Pourquoi ça promet? Jeanne Herry m’a fait pleurer toutes les larmes de mon corps avec Pupille et j’ai été hyper touchée par Je verrai toujours vos visages. Délicatesse, direction d’acteurs magistrale, thèmes puissants: à chaque fois, je suis sous le charme. Adèle était phénoménale dans Je verrai toujours vos visages. Elle le sera sûrement encore dans ce film qu’elle porte pleinement sur ses épaules.

Sheep in the box de Hirokazu Kore-eda

C’est avec qui? Haruka Ayase, Kotaro Daigo

Ca parle de quoi? Dans un futur proche, Otone et son mari Kensuke, qui ont perdu leur enfant, se voient proposer un robot humanoïde totalement identique à leur fils.

Pourquoi ça promet? Le sujet! Complètement actuel et traité à la façon Kore-eda. Un combo qui m’excite!

Gentle Monster de Marie Kreutzer

C’est avec qui? Léa Seydoux, Jella Haase, Laurence Rupp

Ca parle de quoi? Lucy et Philip sont heureux, ils viennent d’emménager avec leur fils dans une maison de campagne près de Munich. Un matin, leur vie bascule lorsque la police se présente à leur domicile pour arrêter Philip et saisir ses ordinateurs. Bouleversée, Lucy cherche la vérité sur son mari. Qui est-il réellement? Doit-elle l’éloigner de son fils?

Pourquoi ça promet? Le sujet, les amis, le sujet…

Histoires de la nuit de Léa Mysius

C’est avec qui? Hafsia Herzi, Bastien Bouillon, Monica Bellucci

Ca parle de quoi? Nora, Thomas et leur petite fille Ida vivent dans une ferme isolée avec pour seule voisine, Cristina, une peintre italienne. Alors que tout le monde prépare une soirée d’anniversaire surprise pour Nora, trois hommes rôdent autour de la maison et s’invitent à la fête faisant surgir des secrets bien gardés…

Pourquoi ça promet? C’est l’adaptation du roman de de 700 pages Laurent Mauvignier, paru en septembre 2020. Laurent Mauvigner a gagné le prix Goncourt en 2025 avec son roman suivant, La maison vide. Le résumé et les acteurs me plaisent bien!

El Ser Querido de Rodrigo Sorogoyen

C’est avec qui? Javier Bardem, Victoria Luengo

Ca parle de quoi? Réalisateur mondialement célèbre, Esteban Martínez revient en Espagne pour tourner son nouveau film. Il en offre le rôle principal à une jeune actrice inconnue, sa fille, qu’il n’a pas vue depuis treize ans. La jeune femme accepte cette formidable opportunité, mais sait qu’à l’occasion de ce tournage, elle va se confronter à un homme qu’elle n’a jamais pu considérer comme un père. Le poids du passé menace de rouvrir leurs blessures.

Pourquoi ça promet? Les histoires entre un père et sa fille, ça marche toujours. Regardez Valeur Sentimentale…

On en reparle en mai, dans le détail. Vous aurez accès à toutes mes critiques sur Instagram et ici.

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C’est l’actrice la plus incroyable du moment. Jessie Buckley, 36 ans, vient de remporter l’Oscar de la meilleure actrice. Et il y a un truc complètement fou avec elle: d’un rôle à l’autre, on ne la reconnaît pas. Elle disparaît derrière chaque personnage qu’elle incarne.

Voici 4 films et 1 série à voir avec Jessie Buckley

Wild Rose (2018)

Rose-Lynn est sortie de prison. Elle a deux enfants qu’elle confie à sa mère et un seul rêve: devenir chanteuse country à Nashville. Wild Rose est un film sur l’ambition féminine, la maternité qui dérange, et la voix comme seule échappatoire. Jessie Buckley y est une ex-détenue écossaise, tatouée, cheveux longs roux et frange plate. Elle chante - et oui, c’est vraiment elle qui chante! Elle a déjà sorti un album. Elle jure, elle explose l’écran. Un rôle taillé sur mesure pour une actrice venue du théâtre musical

Chernobyl (2019) - série HBO

Le 26 avril 1986, le réacteur numéro 4 de la centrale de Tchernobyl explose. Chernobyl est la reconstitution minutieuse et glaçante de cette catastrophe nucléaire, saluée comme l’une des meilleures séries de la décennie. Dans ce contexte, Jessie Buckley joue Lyudmilla, la femme enceinte d’un pompier premier intervenant sur le site du réacteur. Elle regarde la radiation empoisonner son mari lentement, impuissante, sans comprendre vraiment ce qui se passe. Cheveux blonds permanentés, teint blafard, regard de quelqu’un qui traverse l’enfer. Un des rôles les plus dévastateurs de la série.

Misbehaviour (2020)

Londres, 1970. Le concours de Miss Monde est retransmis en direct à la télévision devant 100 millions de téléspectateurs. Un groupe de militantes féministes décide de s’y inviter. Misbehaviour est une comédie britannique assez méconnue, avec Keira Knightley. Jessie Buckley y joue Sally, une activiste déterminée, drôle et un peu incontrôlable. Engagé sans être didactique, le film rappelle que certains combats ont une histoire et que cette histoire mérite d’être racontée.

The Lost Daughter (2021)

Adapté du roman d’Elena Ferrante, The Lost Daughter est le premier film réalisé par Maggie Gyllenhaal. Une femme seule en vacances en Grèce observe une jeune mère sur la plage et se souvient. Jessie Buckley joue cette jeune mère ambivalente, épuisée, qui aime ses enfants mais pas comme on est censé les aimer. Pas de grands effets, pas de scènes de rupture spectaculaires. Juste une présence sobre, fragile, bouleversante. Elle est nommée aux Oscars pour ce rôle. On comprend pourquoi.

Hamnet (2025)

Angleterre, fin du XVIe siècle. Agnes est la femme de William Shakespeare. Hamnet, adapté du roman de Maggie O’Farrell, est un film sur le deuil, l’amour. Jessie Buckley y est une sauvageonne - robe et cheveux longs - transpercée par l’amour immense qu’elle porte à son mari et foudroyée par la perte de leur fils. Une performance physique et émotionnelle qui confirme, si besoin était, qu’elle est dans une catégorie à part.

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The Drama de Kristoffer Borgli et avec Zendaya et Robert Pattinson est le film le plus malaisant de l’année 2026. Vous pouvez lire ce qui suit sans crainte: les spoilers seront annoncés très clairement afin que vous puissiez les éviter.

Si vous n’avez pas vu le film et que c’est dans vos projets, je vous conseille vivement d’en savoir le moins possible.

J’ai vu The Drama à la première américaine, en présence des acteurs et du réalisateur. C’était la toute première projection publique. Personne ne savait rien de l’histoire si ce n’est ce que la bande-annonce en disait. Et quand la révélation est tombée, il y a eu un petit mouvement de surprise dans la salle.

Je vous résume le truc en deux lignes. Mais voici déjà la bande-annonce de The Drama si vous ne l’avez pas encore vue.

The Drama - le résumé

Charlie et Emma sont amoureux et sur le point de se marier. Lors de la dernière dégustation de vin avant le grand jour, leurs amis leur proposent un jeu: chacun doit avouer ce qu’il a fait de pire. Mauvaise idée. Un secret dévoilé va tout faire basculer et mettre le mariage en danger.

Mon avis sans spoiler sur The Drama en vidéo

Les questions perturbantes que The Drama pose

Le film pose plein de questions du genre: connait-on vraiment la personne avec laquelle on décide de faire notre vie? faut-il vraiment tout se dire? quand on aime quelqu’un, doit-on forcément accepter son passé? les circonstances atténuantes existent-t-elles? est-on vriament capable de changement?

C’est profondément perturbant et c’est un film qui va provoquer des grandes discussions à la sortie des salles de cinéma.

Si vous connaissez les films précédents du réalisateur, vous devriez avoir une idée de l’ambiance de The Drama

Kristoffer Borgli est aussi auteur de Dream Scenario dont je vous avais parlé dans une vidéo où je retraçais la carrière de Nicolas Cage. Dans ce film, il raconte l’histoire d’un prof banal, totalement insignifiant, qui devient une star après être apparu, sans qu’on se l’explique, dans les rêves de millions de gens. Quand soudain, les rêves deviennent des cauchemars, le prof, qui n’a pas choisi sa situation, est victime de la cancel culture.

En 2022, dans le film Sick of Myself, il contait l’histoire d’une jeune femme jalouse de l’attention portée à son petit ami. Par hasard, elle découvre l'existence d'un médicament retiré de la vente parce qu'il provoque des maladies de peau, et décide de s'en procurer.

Vous l’aurez compris avec ces deux exemples, le réalisateur norvégien aime s’emparer des sujets de société et la satire. Il pousse le curseur plus loin ici. Pour le meilleur… et pour le pire.

La campagne marketing géniale de The Drama

Avant de vous donner ma critique de The Drama avec spoiler, je voudrais revenir sur la campagne marketing absolument géniale orchestrée par A24.

La promo a démarré le 14 février, pour la Saint-Valentin. Le site charlieandemmaforever.com, partagé par les deux acteurs, et toujours actif aujourd’hui, partage toutes les infos à savoir sur le mariage en question. Il donne la liste de tous les endroits fréquentés par Charlie et Emma à Boston. J’adore!

A Las Vegas, ils ont ouvert une chapelle de mariage sur le thème du film. Des gens s’y sont vraiment mariés et Zendaya est venue signer le registre.

Le jour de la première, les acteurs sont arrivés dans une voiture ancienne et Zendaya était en blanc. La soirée après la projection se déroulait au Chateau Marmont et était pensée comme un vrai mariage. Je vous racontais et surtout je vous montrais tout ça dans cette vidéo:

Je voudrais également vous dire, avant de passer à mon avis avec spoiler, que le montage du film est épatant. Le film superpose le présent et le passé de façon inventive, brouille les frontières entre la réalité et ce que les personnages imaginent. Après la révélation, ils deviennent tous les deux parano et c’est illustré avec talent. C’est ce que j’ai préféré dans le film!

Gros bémol cependant: Zendaya et Robert Pattinson ne semblent pas franchement amoureux. On est plus sur de la camaraderie. Même si j’ai aimé les regarder vriller, je n’avais pas beaucoup d’intérêt pour leur couple et son éventuelle survie. C’est une histoire déroulée de façon assez froide.

Ne lisez pas ce qui suit si vous n’avez pas encore vu The Drama. Vous vous gâcheriez tout le “plaisir”.

C’est quoi la révélation de The Drama? Mon avis sur le film avec spoiler !

Emma et Charlie picolent avec des amis quand ceux-ci les poussent à dire tout haut ce qu’ils ont fait de pire dans la vie. Emma, bourrée, raconte alors avoir eu une adolescence compliquée. Elle était victime de harcèlement scolaire et se sentait très seule.

Elle explique avoir envisagé de tuer ses camarades de classe. Elle a failli provoquer une tuerie de masse dans son lycée.

Elle a tourné sa vidéo d’adieu et d’explications, et s’est pointée à l’école avec des armes chargées. Elle n’est finalement pas passée à l’acte et même devenue militant anti-armes mais l’aveu choque tout le monde autour de la table.

Et dans la salle de cinéma, c’est le moment où tout le monde a la bouche ouverte.

Ce secret ébranle l’amour de Charlie pour sa fiancée. Il n’arrive plus à se concentrer, il n’arrive plus à lui faire l’amour. Il la regarde différement. Elle lui demande s’ils peuvent “oublier ça” mais il n’oublie rien, au contraire, il ne fait qu’y penser.

Il la regarde comme si elle était passée à l’acte alors que non. Est-ce qu’avoir envisagé le pire fait-elle d’elle un monstre?

Kristoffer Borgli ose faire son film autour d’un sujet qui crispe les esprits aux Etats-Unis. Et il ose même en rire, parce que même si ce n’est pas une comédie romantique, il y a de l’humour noir.

Je ne m’attendais absolument pas à ça. Et forcément, en vivant aux USA, je m’interroge, peut-on rire de tout? C’est le public qui jugera.

J’ai cherché des interviews du réalisateur et des acteurs parce que je voulais savoir comment ils “défendent” cette idée, mais ils gardent le silence sur le sujet même du film. Dans le peu d’entretiens qu’ils ont accordés, ils parlent d’amour, de confiance et de sincérité mais pas de la révélation choquante. C’est fait exprès, mais je ne suis pas certaine que ça soit une bonne idée. J’ai le sentiment que la campagne marketing géniale va tourner au fiasco maintenant que le film est sorti. J’aimerais savoir ce qu’ils en pensent pour me prononcer sur le film en ayant tous les éléments en main.

Kristoffer Borgli est actuellement dans la tourmente pour l’exhumation d’un essai dans lequel il évoquait être tombé amoureux d’une lycéenne alors qu’il avait 27 ans. Je doute qu’il en rajoute en parlant du sujet de son film en frontal actuellement.

Si vous êtes arrivés jusqu’ici, c’est que vous l’avez vu. J’attends votre avis en commentaire. Qu’avez-vous pensé de The Drama?